Romería, de Carla Simón

Hoy martes, 10 de noviembre, el ciclo Aula en el Cine retoma su actividad con la proyección de Romería, la película de la directora Carla Simón, reconocida este año con los premios Goya a la mejor Dirección y al mejor Guion Original. 

La cita tendrá lugar, como es habitual, a las 19:15 horas en los Cines La Dehesa de Ponferrada. https://www.lanuevacronica.com/el-bierzo/aula-en-cine-ponferrada-proyecta-romeria-con-manuel-cuenya_206035_102.html

La sesión mantendrá la estructura habitual del ciclo e incluirá una introducción previa para contextualizar la película, el visionado de la obra, comentarios y análisis de sus principales aspectos cinematográficos y, finalmente, un coloquio abierto con el público asistente.

Con esta nueva propuesta, Aula en el Cine vuelve a ofrecer un espacio para disfrutar del cine, profundizar en su lenguaje y compartir reflexiones en torno a las películas y sus múltiples lecturas.

Una nueva oportunidad para encontrarnos alrededor de la gran pantalla y vivir el cine también desde el diálogo y el pensamiento compartido.

El viaje emocional de Marina

Romería (2025), de Carla Simón, narra el viaje de Marina desde Cataluña hasta Vigo para conocer a la familia de su padre biológico y reconstruir una historia familiar marcada por las ausencias, los silencios y los recuerdos fragmentados. A través de ese viaje personal, la película aborda también la memoria de una generación que vivió los años ochenta, una época de profundas transformaciones sociales y culturales, pero también atravesada por la epidemia del sida, las drogodependencias y el estigma que ambas dejaron en numerosas familias.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es cómo muestra la dificultad de reconstruir el pasado cuando la vergüenza, los prejuicios y el dolor han condicionado aquello que se cuenta y aquello que se prefiere silenciar. En este sentido, Romería trasciende la búsqueda de los orígenes de su protagonista para convertirse en una reflexión sobre la memoria familiar y la necesidad de recuperar historias que quedaron relegadas al olvido.

A propósito de esta temática, siempre recomiendo el visionado de Les nuits fauves (1992), del cineasta francés Cyril Collard https://cuenya.blogspot.com/2014/10/les-nuits-fauves-las-noches-salvajes.html. Se trata de una obra de enorme intensidad autobiográfica, basada en su propia novela, en la que el director interpreta a Jean, un hombre seropositivo que vive su sexualidad, sus relaciones afectivas y su enfermedad con una mezcla de pasión, contradicción y urgencia vital. Collard falleció en 1993, poco antes de recibir póstumamente cuatro premios César por la película. Vista con la perspectiva del tiempo, sigue resultando sobrecogedora y constituye un testimonio cinematográfico especialmente valioso de los primeros años de la crisis del sida.

También merece la pena recordar Philadelphia (1993), de Jonathan Demme, protagonizada por Tom Hanks y Denzel Washington https://cuenya.blogspot.com/2026/02/philadelphia-de-demme.html. La película aborda la discriminación laboral y social sufrida por un abogado homosexual despedido a causa de su enfermedad. Desde una perspectiva más explícitamente reivindicativa, pone el foco en los prejuicios, la homofobia y la vulneración de los derechos fundamentales de las personas afectadas por el VIH/sida.

Son dos aproximaciones cinematográficas diferentes, pero complementarias: Les nuits fauves nos acerca a la experiencia íntima, emocional y existencial de la enfermedad; Philadelphia denuncia sus consecuencias sociales y la discriminación que padecieron tantas personas.

Las tres películas, cada una desde su propio lenguaje y contexto, contribuyen a recuperar una memoria que no deberíamos perder, porque hablar del sida no significa únicamente recordar una epidemia, sino también devolver su dignidad y su historia a quienes la vivieron y a quienes, como ocurre en Romería, crecieron marcados por sus consecuencias.

En Romería, Marina reconstruye la historia de sus padres a través del diario de su madre biológica y de los testimonios de sus tíos y abuelos. Cada uno aporta su propia versión, sus recuerdos y sus silencios, componiendo poco a poco un pasado fragmentado en el que no siempre resulta fácil distinguir la verdad.

La película parte de una búsqueda en apariencia sencilla que se transforma progresivamente en una indagación mucho más profunda sobre la identidad, la memoria familiar y las heridas de una generación. La historia de Marina nos habla también de la necesidad de conocer nuestros orígenes para comprender quiénes somos. Algo que da la impresión de que fuera consustancial al ser humano.

El guion y la dirección de Carla Simón

El guion, escrito por Carla Simón, destaca por su sensibilidad, su estructura fragmentaria y su manera de abordar una historia familiar marcada por las ausencias, los secretos y los recuerdos contradictorios.

Uno de sus mayores aciertos es la forma en que re-construye el pasado a partir de diferentes testimonios, desde una perspectiva, como también se hace en la literatura. Marina escucha a sus tíos, abuelos y otros familiares, consulta el diario de su madre y trata de recomponer una historia que nadie parece recordar de la misma manera. Cada personaje ofrece una versión parcial, condicionada por sus vivencias, sus sentimientos y también por aquello que prefiere callar. De este modo, el guion evita presentar una verdad única y permite que los espectadores, las espectadoras, participemos activamente en la reconstrucción de los acontecimientos.

También resulta interesante la manera de abordar los años ochenta y el impacto del sida. Carla Simón introduce esta realidad histórica y social en el ámbito de una familia concreta, mostrando cómo el miedo, los prejuicios, la incomprensión y el estigma condicionaron muchas vidas. El contexto histórico se convierte así en una parte fundamental de la tragedia personal y familiar.

La dirección mantiene las señas de identidad del cine de Carla Simón, que filma con naturalidad, intimismo, observación de los personajes y una gran capacidad para transmitir emociones sin recurrir al sentimentalismo.

Su puesta en escena es sobria y contenida. Confía en los silencios, las miradas, los gestos y las conversaciones cotidianas. Deja que sean los comportamientos y las contradicciones de los personajes los que revelen su mundo interior. En este sentido, es un cine comportamental. La directora consigue interpretaciones naturales y dota de personalidad a los familiares, evitando que sean meros instrumentos narrativos. Cada uno tiene sus propias contradicciones, afectos y reservas.

Carla Simón aborda la reconstrucción del pasado con libertad narrativa, combinando recuerdos, testimonios y evocaciones sin someterse a una narración lineal. Esta elección formal refuerza la idea de que la memoria nunca es completamente objetiva y de que el pasado se reconstruye desde el presente.

Su gran virtud está en contar una historia dolorosa desde la elegancia, sin renunciar a su dureza, y en conseguir que una experiencia familiar y particular alcance una dimensión colectiva y generacional. 

Vigo y las islas Cíes como escenarios

Rodada en los escenarios de Vigo y de las islas Cíes, la película nos regala imágenes de gran luminosidad y belleza. Carla Simón convierte estos paisajes gallegos en espacios cargados de memoria, capaces de acompañar y expresar el viaje interior de Marina. Recorrer esos lugares supone también acercarse a una historia familiar desconocida y recuperar una parte de su identidad.

Vigo, filmada con una mirada que descubre su belleza cotidiana, aporta a la película su personalidad urbana y atlántica. Sus calles, su puerto, sus rincones y su ambiente marinero construyen una atmósfera reconocible, vinculada a la Galicia de los años ochenta y a los recuerdos que Marina intenta reconstruir.

Las islas Cíes, por su parte, ofrecen uno de los contrapuntos visuales más hermosos. Sus playas de arena blanca, sus aguas transparentes, la vegetación y la amplitud del paisaje introducen una sensación de libertad y serenidad. La naturaleza parece ofrecer un espacio para la reflexión y el descubrimiento personal, adquiriendo una dimensión simbólica frente a los silencios, las ausencias y las contradicciones de la historia familiar. 

Al fondo, las islas Cíes. Foto: Cuenya

Los paisajes no son, por tanto, simples escenarios, sino que se integran en la narración como lugares de pertenencia, memoria y descubrimiento. La luz atlántica y los espacios abiertos contribuyen a crear una atmósfera envolvente en la que los lugares terminan convirtiéndose en depositarios de una memoria que Marina necesita recuperar. 

La banda sonora, Siniestro Total y la memoria de una generación

La música de Siniestro Total contribuye a recrear el ambiente de aquellos años. La presencia de esta banda, uno de los grupos más representativos del rock español de los ochenta y de la llamada Movida viguesa, aporta autenticidad y una fuerte vinculación con el contexto histórico y geográfico del relato.

Su música tiene también un valor emocional y cultural, porque nos devuelve a una Galicia joven, urbana, inconformista y llena de energía, muy alejada de los tópicos con los que a menudo se representa el pasado.

El carácter irreverente, provocador y desenfadado de Siniestro Total introduce un contrapunto interesante a la historia íntima y dolorosa de Marina. Frente al drama familiar, los silencios y las heridas provocadas por el sida, aparece la vitalidad de una generación que vivió aquellos años con intensidad, libertad y contradicciones.

La banda sonora se convierte así en memoria musical de los años ochenta y, al mismo tiempo, en memoria emocional de un lugar y de toda una generación. 

La dirección artística y la recreación de la época

La dirección artística destaca por su cuidado en la recreación de los ambientes y de la época. Los interiores domésticos, el mobiliario, la decoración, el vestuario y los pequeños objetos cotidianos contribuyen a situarnos en los años ochenta sin caer en una reconstrucción nostálgica o artificiosa.

Las casas familiares parecen conservar las huellas de quienes las habitaron, como si los objetos y las habitaciones guardasen una memoria propia. El pasado se reconstruye no solo a través de los testimonios, las fotografías y los escritos, sino también mediante esos espacios cotidianos que parecen contener una parte de la historia familiar. 

La fotografía, la luminosidad del paisaje gallego

La fotografía es otro de los grandes atractivos de la película. Destaca por su luminosidad, por la riqueza de los colores y por la manera en que aprovecha la luz natural de los paisajes gallegos. El mar, el cielo, la vegetación y los espacios abiertos adquieren una presencia visual extraordinaria.

Carla Simón apuesta por una imagen natural, alejada de los encuadres excesivamente elaborados. La cámara observa a los personajes y los espacios con cercanía, permitiendo que la emoción surja de las situaciones, de los gestos y de los silencios.

Es especialmente sugerente el contraste entre la luminosidad de las imágenes y la dureza de la historia que se va desvelando. La belleza de los paisajes no oculta el dolor del pasado, sino que lo acompaña y lo hace todavía más evocador. 

Las interpretaciones de Llúcia García y el conjunto del reparto

Sobresalen la magnífica dirección de Carla Simón, la cuidada dirección artística, la fotografía y, especialmente, la interpretación de la actriz protagonista, Llúcia García, en el papel de Marina.

Su espontaneidad y expresividad en la mirada constituyen uno de los grandes aciertos de la película. Sostiene buena parte de su peso emocional y consigue transmitir la curiosidad de quien llega a un territorio desconocido, pero también la vulnerabilidad de alguien que busca respuestas sobre sus padres biológicos.

Marina llega a Vigo cargada de preguntas, pero también de incertidumbres. No conoce realmente a sus padres y debe reconstruir sus vidas a partir de recuerdos ajenos, documentos y testimonios familiares que no siempre coinciden.

La actriz consigue transmitir esa mezcla de curiosidad, desconcierto y necesidad de saber sin recurrir a grandes gestos ni a emociones demasiado explícitas. Su interpretación se apoya especialmente en la expresividad de la mirada, los silencios y los pequeños cambios de actitud. 

Vigo. Foto: Cuenya

Al principio, parece observar desde fuera una historia que también le pertenece. Poco a poco, esa posición de espectadora va transformándose en una implicación emocional más profunda. La actriz refleja muy bien ese tránsito de la búsqueda casi documental a una experiencia íntima que la enfrenta con su propia identidad.

Resulta interesante cómo Marina, que escucha, pregunta y trata de encontrar su lugar en una historia familiar llena de contradicciones, encarna la dificultad de acercarse a unos padres ausentes a través de las versiones de los demás. Lo más valioso de su trabajo es la fragilidad, la soledad, la necesidad de pertenencia y el peso de una memoria que no ha vivido, pero que siente como propia.

Junto a la protagonista, destaca el trabajo del conjunto de intérpretes. Carla Simón demuestra su habilidad para dirigir actores, actrices y conseguir interpretaciones de gran naturalidad, alejadas de los artificios y de los excesos dramáticos. El resultado es un reparto coral en el que cada personaje aporta una perspectiva distinta sobre la historia familiar que Marina intenta reconstruir.

Los intérpretes que encarnan a los familiares construyen sus personajes desde una relación particular con el pasado. Unos se muestran más abiertos, otros más reservados; algunos parecen querer proteger a Marina y otros prefieren mantener determinados recuerdos ocultos. Estas diferencias enriquecen el relato y hacen creíble la complejidad de una familia en la que conviven afectos, reproches, culpas y silencios.

También resulta interesante el trabajo de los actores que representan a los padres de Marina en las evocaciones del pasado. Su presencia permite acercarnos a una generación marcada por la libertad, las contradicciones y las circunstancias sociales de los años ochenta. La película consigue que esos personajes tengan entidad propia, más allá de ser figuras reconstruidas por los recuerdos de los demás.

No hay grandes exhibiciones interpretativas, sino una suma de trabajos sutiles, contenidos y humanos que contribuyen decisivamente a la sensibilidad de la película. Las conversaciones familiares transmiten cierta incomodidad y tensión sin recurrir a enfrentamientos exagerados. Hay mucho significado en lo que se dice, pero también en lo que se evita decir. 

El montaje, una reconstrucción fragmentada de la memoria

El montaje de Romería se caracteriza por su ritmo pausado, su delicadeza y una estructura narrativa fragmentaria, subjetiva y, en ocasiones, contradictoria, que reproduce la manera en que funciona la memoria.

La historia avanza a través de los encuentros de Marina con sus familiares, las conversaciones, los recuerdos y los descubrimientos que va realizando. Cada testimonio aporta una pieza al puzle de la vida de sus padres, aunque las distintas versiones no siempre encajan. El montaje respeta esa fragmentación y evita ofrecer respuestas fáciles o conclusiones cerradas.

Uno de sus mayores aciertos es la alternancia entre el presente de Marina y la reconstrucción del pasado. Los recuerdos, las imágenes y las evocaciones se integran en el relato de manera fluida, creando una continuidad emocional entre tiempos diferentes. El pasado no aparece como algo concluido, sino como una realidad que sigue condicionando el presente.

También resulta significativo el uso de las pausas, los silencios y los tiempos muertos. Carla Simón permite que las escenas respiren, que las miradas y los gestos tengan su propio espacio y que el espectador participe activamente en la interpretación de lo que sucede. No hay una voluntad de subrayar las emociones mediante cortes rápidos o recursos efectistas.

El ritmo pausado favorece, además, la observación de los espacios y los paisajes gallegos, que se integran en la narración y adquieren un valor emocional. El montaje establece así un diálogo entre los personajes, los lugares y la memoria.

Especial interés tiene la manera en que la película aborda los recuerdos de unos padres a los que Marina no llegó a conocer. La reconstrucción de sus vidas se convierte en un proceso subjetivo, donde los testimonios familiares, los silencios y las imágenes del pasado se complementan, pero también se cuestionan.

En definitiva, el montaje es sobrio, evocador y coherente con la propuesta narrativa de Carla Simón, una de nuestras grandes directoras, que ya nos cautivó con su película Alcarràs (2022), un drama rural familiar sobre la desaparición de las actividades agrícolas. En Romería busca acompañar el proceso interior de Marina, transformando una investigación familiar en una experiencia cinematográfica sobre la memoria, las ausencias y la identidad. 

Una película sobre la memoria y la necesidad de conocer nuestros orígenes

Romería es una película humana que convierte la búsqueda de unos padres ausentes en una reflexión sobre la identidad, la memoria familiar y las heridas de toda una generación.

Carla Simón construye un relato en el que los recuerdos no siempre coinciden, los silencios adquieren significado y las verdades aparecen fragmentadas. Su mirada evita los juicios simplificadores y permite que cada personaje conserve su complejidad.

La película destaca por la sensibilidad de su guion, la naturalidad de las interpretaciones, la belleza de la fotografía, el cuidado de la dirección artística y su montaje. Pero, por encima de sus valores cinematográficos, sobresale su capacidad para transformar una historia familiar en una experiencia emocional compartida, porque conocer nuestros orígenes no significa necesariamente encontrar todas las respuestas. A veces supone aprender a convivir con las preguntas, comprender las contradicciones de quienes nos precedieron y reconocer que también somos parte de una historia que comenzó mucho antes de nosotros.

Romería nos invita a emprender ese viaje, un recorrido hacia el pasado para tratar de comprender el presente y, quizá, conocernos un poco mejor.